Qu’est ce que l’art contemporain ?

L’art contemporain est un art qui s’inscrit dans le temps présent. Il se développe au fil des époques et des civilisations, mais il n’est pas figé. L’art contemporain est une forme d’expression artistique qui a pour but de faire réfléchir sur la société actuelle et les problématiques qu’elle rencontre. En effet, l’artiste doit avoir conscience du contexte social où il vit afin de pouvoir exprimer son point de vue à travers sa création. Quels sont les courants artistiques ? Le terme « courant » permet de regrouper plusieurs formes d’expressions artistiques ayant en commun certaines caractéristiques : thèmes abordés, techniques utilisées… Les différents courants peuvent être classés par catégories (peinture, sculpture…) ou par époque (impressionnisme…). Cependant on ne peut pas qualifier tous les arts comme étant des « arts figuratifs » ou non-figuratifs puisqu’il existe différentes manières d’aborder ce sujet. Ainsi certains artistes ont choisi de représenter la figure humaine tandis que d’autres ont opté pour une abstraction totale…

Les types d’art contemporain

 

Pop Art (à partir des années 1960)

Le Pop Art est à la fois moderniste et contemporain. Il a commencé par dépeindre une réalité plus actuelle, en utilisant des images de stars de cinéma et d’autres célébrités, ainsi que des biens de consommation de masse. Mais cette tendance a été rapidement éclipsée par un intérêt post-moderne croissant pour l’impact et le style. Voir par exemple notre petit guide du Pop Art d’Andy Warhol dans les années 60.

 

Word Art/Word Painting (à partir des années 1960)

Le Word Art était une toute nouvelle forme de peinture ou de sculpture qui utilisait une imagerie textuelle. Il est associé à des artistes comme Robert Indiana (né en 1928), Jasper Johns (né en 1930), On Kawara (1932-2014), Barbara Kruger (née en 1945) et Christopher Wool (né en 1955).

 

Conceptualisme (à partir des années 1960)

L’art conceptuel est un mouvement artistique postmoderne fondé sur le principe que l’art est un « concept » plutôt qu’un objet matériel. En d’autres termes, l' »idée » que représente une œuvre est considérée comme sa composante essentielle, et le « produit fini », s’il existe, est considéré essentiellement comme une forme de documentation plutôt que comme un artefact. Les origines du conceptualisme remontent à Dada et à l’artiste d’avant-garde du début du XXe siècle, Marcel Duchamp, mais ce n’est que dans les années 1960 qu’il est devenu un mouvement reconnaissable et a acquis un nom. L’art conceptuel a la capacité de véhiculer des idées de manière assez puissante, ce qui en fait un véhicule populaire pour les commentaires sociopolitiques. En outre, en minimisant la nécessité de compétences picturales ou sculpturales, voire d’un quelconque savoir-faire, il conserve une dimension subversive en remettant en question toute la tradition de l’œuvre d’art en tant qu’objet unique et précieux. Certains experts soulignent le fait que l’ère postmoderne exige davantage que l’expérience passive consistant à « regarder » une œuvre d’art, et que le conceptualisme offre une expérience plus interactive. Il n’est pas certain que cette valeur ajoutée de divertissement aide une « idée » à être qualifiée d’œuvre d’art. Pour les œuvres de l’un des premiers artistes conceptuels d’Europe, voir également : L’art postmoderniste d’Yves Klein (1956-62).

 

La grande collection de chaussures du musée de l’Holocauste à Washington, DC, qui appartenait à des victimes des camps de concentration nazis, illustre bien cette question. Il a été suggéré que cette collection présente les caractéristiques d’une œuvre d’art conceptuelle, car le fait de passer devant l’énorme pile de chaussures nous aide à comprendre la réalité terrifiante des chambres à gaz. C’est effectivement le cas, mais franchement, cela ne transforme pas les chaussures en une œuvre d’art, ni même en un quelconque type de déclaration artistique. (Comparez l’art de l’Holocauste 1933-45.) C’est une déclaration politique ou historique. La difficulté pour le conceptualisme est donc de montrer comment il peut être qualifié d’art, par opposition au divertissement, au théâtre ou au commentaire politique.

Les principaux représentants du conceptualisme sont Sol LeWitt, Joseph Beuys, Felix Gonzales-Torres, Eva Hesse, Jenny Holzer, Joseph Kosuth, Barbara Kruger, Jean Tinguely et Lawrence Weiner. Parmi les autres artistes associés au mouvement figurent Mel Bochner, Hanne Darboven, Agnes Denes, Jan Dibbets, Hans Haacke, On Kawara et Les Levine.

 

Performance (à partir des années 1960)

Apparu en Amérique et en Europe au début des années 1960, l’art de la performance est une forme d’art expérimental inspirée par l’art conceptuel, ainsi que par Dada, le futurisme, le Bauhaus et (en Amérique) le Black Mountain College. La performance est généralement censée se caractériser par sa nature « vivante » – le fait que l’artiste communique directement avec le public – et son impact, qu’il soit amusant ou choquant, doit être mémorable. Un bon exemple est la série de machines autodestructrices – probablement les exemples les plus célèbres d’art cinétique – créées par l’artiste suisse Jean Tinguely (1925-91). Malgré cela, la différence exacte entre le théâtre innovant et l’art performance est difficile à déceler. De plus, l’insistance de la performance à être qualifiée d' »art » – traditionnellement un événement bourgeois – s’accommode mal de son éthique anti-establishment.

La performance inclut désormais des événements et des « happenings » d’artistes visuels, de poètes, de musiciens, de cinéastes, de vidéastes, etc. La fin des années 1960 et les années 1970 ont également vu l’apparition du « Body Art », un type de performance dans lequel la propre chair de l’artiste devient la toile et « performe » de manière choquante et digne d’intérêt (pour en savoir plus, voir ci-dessous). Dans les années 1980, l’art de la performance s’est de plus en plus appuyé sur la technologie (vidéo, ordinateurs) pour délivrer son message « artistique ». Parmi les artistes contemporains associés à ce genre, citons le pionnier Allan Kaprow (1927-2006), Yves Klein (1928-62), Gilbert & George (né en 1943, 1942) et l’extraordinaire Joseph Beuys (1921-86), qui a créé la performance innovante How to Explain Pictures to a Dead Hare (1965). Un autre artiste novateur est l’Américain d’origine coréenne Nam June Paik (1932-2006), qui a débuté dans l’art de la performance avant de travailler avec des téléviseurs et des vidéos, puis des installations.

 

 

Quelle différence y a-t-il entre art moderne et art contemporain ?

 

L’art moderne est une réponse à la société de son époque. L’art contemporain, lui, n’a pas d’autre but que celui d’être contemporain et il se développe en fonction des techniques qui sont disponibles. Cette différence peut paraître subtile mais elle est fondamentale : le premier cherche à changer le monde alors que le second ne cherche qu’à être un produit du marché. Quelle est votre position par rapport aux artistes contemporains ? Je suis très critique vis-à-vis de cet art car je pense qu’il a perdu toute capacité à transmettre quoi que ce soit au public. Il a été transformé en simple objet commercial dont les valeurs ont été totalement brouillés par les marchands et les critiques d’art qui ont intérêt à promouvoir ce type de production pour vendre plus facilement des tableaux ou des sculptures…

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